• Interviews met artiesten

Hannah Porter Occeña

We hadden de gelegenheid om Hannah een paar vragen te stellen. Bekijk haar gedachten over kwaliteiten die essentieel zijn voor muzikale excellentie, voorbereiding op audities en advies voor opkomende fluitisten.

1. Welke kwaliteiten zijn volgens jou het meest essentieel voor muzikale excellentie? 

Muzikale excellentie vereist naar mijn mening zowel artisticiteit als grit.  

Het kunstenaarschap bestaat uit excellentie in interpretatie / creatieve benadering, een mooie toon en degelijke technische vaardigheden. Duidelijkheid van artistieke intentie en interpretatie vormt de kern van ons muzikale kunstenaarschap. Het is een product van ons onderzoek van het stuk en de componist, onze reactie op en tekening uit de klanken van andere uitvoeringen die we hebben gehoord (dwarsfluituitvoeringen evenals die van andere ensembles / instrumenten), en onze eigen verhalen. We gebruiken deze musicologische, auditieve en persoonlijke elementen door een uitstekende toon te ontwikkelen met een grote mate van flexibiliteit en kleurengamma en een solide techniek die een sierlijke weergave van de lastigste passages van een compositie mogelijk maakt.

Er wordt tegenwoordig veel gezegd over grit in professionele en academische kringen, en ik denk dat het een geschikte term is om de uitdaging te beschrijven van het verwerven van de vaardigheden die nodig zijn om een ​​hoog prestatieniveau te bereiken en om niet-muzikale obstakels die van invloed zijn te overwinnen. muzikale oefening en uitvoering. Het is gemakkelijk om genoegen te nemen met minder dan wat iemand kan als het moeilijk wordt; er is veel moed voor nodig om die moeilijke momenten naar uitmuntendheid te doorbreken!


2. Wat denk je dat het belangrijkste is om te benadrukken in je lesgeven en in je eigen spel?

Veel van het maken van muziek kent typische melodische en harmonische wendingen en het kunnen bespelen met een vloeiend, mooi geluid, dus in mijn lessen en prestaties benadruk ik het ontwikkelen van een mooie toon en een natuurlijk gevoel voor frasering. 

Toon moet primaat zijn van plaats in de studie en uitvoering van de fluit. Een fluitist kan alle technische toepassingen in de wereld hebben, maar als hij of zij een aangenaam, kleurrijk geluid mist, zal niemand genieten van het luisteren naar zijn of haar muziek. Dit wil niet zeggen dat technische studies niet belangrijk zijn. In mijn eigen praktijk en in mijn lessen benadruk ik echter dat technische studies gewoon snelle klankstudies zijn en dat ik en mijn studenten een technische oefening niet onder de knie hebben totdat we het met een mooie klank kunnen spelen.

Van solide toon, ik overgang naar het ontwikkelen van goede frasering. Ik breng melodische fragmenten in verband met gesproken woorden en zinnen (I LOVE you, El-e-phant, enz.), En ik laat de leerlingen luisteren naar de akkoordstructuur of tegenmelodie onder hun melodie, en laat zien hoe die akkoorden of tegenmelodieën de melodie beïnvloeden. merkt op dat we de nadruk leggen op klinkervormen die we gebruiken. Korte, gerichte etudes zijn een geweldige manier om dit soort frasepraktijken te doen. Ik vind het vooral leuk om mijn studenten te laten werken via de Moyse 24 Petite Etudes Melodiques, omdat deze etudes snel veel terrein bestrijken. 


3. Hoe ziet een typische dagelijkse oefensessie eruit voor jou? 

Ik heb een dochter van twee jaar bij me thuis, en ik geef de meeste avonden les en heb vaak optredens of repetities, dus 'typisch' is niet het eerste woord dat in me opkomt als ik denk aan mijn oefenroutine! "Goed gepland" is een veel belangrijkere uitdrukking die ik hecht aan mijn oefentijd.

Toen ik mijn master in Londen deed bij Clare Southworth, benadrukte ze kwaliteit en focus op de hoeveelheid oefening en leerde ze me hoe ze een probleempassage vanuit verschillende hoeken kon benaderen. Ik was eerder de plichtsgetrouwe student die langzaam aan een passage begon te werken en vervolgens mijn metronoom stukje bij beetje inkepprentte, werkend voor 10 perfecte herhalingen van een sectie voordat ik mezelf toestond het tempo te versnellen. Deze methode was geen praktische manier om de 40-vreemde orkestrale fragmenten te leren, een compleet concert, een centimeter dik pakket van schalen en reeksen, en de twee volledige recitals die ik moest uitvoeren om mijn eindexamen aan de Royal Academy te halen. echter, en het zou zeker niet werken als ik vaak een paar dagen korte oefensessies krijg om belangrijke symfonieën of nieuwe opdrachten voor aankomende concerten te leren.

Ongeacht mijn werklast, ik zorg ervoor dat mijn eerste 15-minuten oefensessie gewijd is aan toon- en techniekstudies. Elke maand kies ik een sequentiepatroon om te beheersen (nu werk ik aan Reichert #3). “Mastery” voor mij betekent het uitvoeren van de volgorde in alle toetsen op een bepaald tempo en met een mooie toon en frasering. Ik probeer een reeks te kiezen die mijn repertoire-doelen ondersteunt, en ik verander de articulatie om beide articulatie-uitdagingen in mijn repertoire te ondersteunen en een extra mentale uitdaging te creëren. Als ik extra tijd, ik ook sightread een etude of twee die ik ben van plan om mijn studenten werken in de komende weken.

In mijn andere oefensessies doe ik zeer gericht werk. Voordat ik begin, breng ik zorgvuldig in kaart wat ik in een bepaald stuk moet oefenen en som ik die secties op zodat ik mijn voortgang kan bijhouden. In plaats van aan grote passages te werken, identificeer ik individuele maatregelen en zelfs groepen van twee of drie noten die moeten worden verbeterd, en ik probeer zoveel mogelijk correcte, "eerste keer" herhalingen van die maatregelen mogelijk te maken. Ik bewerk het "eerste keer" -effect door mijn geselecteerde passages af te wisselen en groepen met elkaar op te nemen in een soort A, B, A, C, B, C, A etc. patroon waarbij elke letter een enkele herhaling van een probleem voorstelt plek. Dit soort werk kan erg vervelend zijn, dus ik probeer de oefensessies te beëindigen door de segmenten waaraan ik heb gewerkt in context weer te geven en te doen wat ik moet doen om er zeker van te zijn dat de herhaling in context ook correct is, "eerst -time "herhaling; soms betekent dit het aanpassen van het tempo omlaag voor die bepaalde maat of groep noten en dan terug te keren naar het originele tempo om de frase te beëindigen.

Ik luister ook veel naar mijn orkestrepertoire als ik niet bij mijn fluit ben. Ik heb een uur lang pendelen tussen de huis- en Topeka Symphony-repetities door en gebruik die drive om naar de werken die we spelen te luisteren en om beter te leren hoe de onderdelen van mijn collega's bij de mijne passen voordat ik bij de repetities arriveer.

Als ik geen avondrepetitie of -prestatie heb, neem ik 's avonds een langere oefensessie en gebruik die tijd om doelen op lange termijn aan te pakken (grote orkestpartijen die ik wil beheersen, concerto / solo / orkestrepertoire waarvan ik weet dat ik ze heb' Ik speel het volgende jaar, verbeter mijn bereik van dynamiek / toonkleur, etc.), werk eraan met dezelfde oefentechnieken die ik gebruik tijdens mijn kortere repertoire-sessies. Ik gebruik ook de tijd om toekomstige oefensessies in kaart te brengen en om frasering, ademhaling en kleurbeslissingen te nemen over stukken, zeker om die beslissingen in de muziek te markeren, zodat ik ze niet vergeet.


4. Wat is de waardevolste les die de fluit (of muziek) je heeft geleerd?

De meest waardevolle les die ik als fluitist leerde, was hoe ik mijn unieke artistieke stem kon vinden en waarderen. Gedurende mijn studie en carrière heb ik vaak gehoord dat mijn aangeboren muzikaliteit een van mijn sterke punten is als speler. Toen ik echter officieel mijn studie aan de Royal Academy begon met misschien wel de ergste auditie die ik ooit heb gespeeld, heeft de ervaring mijn vertrouwen aanzienlijk geschokt. 

Dit gebrek aan vertrouwen in mijn artistieke waarde droeg de volgende week bij aan een onbevredigende eerste fluitles met Clare Southworth, waar ik alle juiste noten maar geen van de muziek speelde. Vanwege dat, Clare kreeg de indruk dat ik een intelligent, ijverig speler, maar een academicus in plaats van een kunstenaar. Het kostte me vijf lessen of zo om uit de funk te komen waarin ik was geweest, en de reactie van Clare had iets te maken met: "Waarom speel je niet altijd zo?" Waarna ze zich realiseerde dat ik een bekwame muzikant met een mentaal blok, geen academicus die geleerd moest worden om uit te drukken en te emote! 

Na die les begon ik het maken van muziek mijn praktijk te laten besturen in plaats van bang te zijn voor wat er met mijn klas en mijn carrière zou gebeuren als ik niet elke noot perfect zou spelen. In het proces ontdekte ik dat ik een stem heb die alleen ik kan gebruiken, ik heb ideeën om te delen en emoties om uit te drukken die alleen ik kan uiten, en in mijn carrière kan ik een publiek bereiken dat anders niet zou worden bereikt. Mijn vaardigheden als fluitist zijn een geschenk, en het is mijn roeping om dat geschenk met de wereld te delen. Om dit niet te doen uit angst voor mislukking of oordeel zou veel erger zijn dan het hebben van veel vreselijke audities en slechte recitals. Ik heb niets te verliezen en alles te winnen door lief te hebben, te oefenen en muziek te delen voor de rest van mijn leven, en deze kennis heeft me zoveel vreugde gegeven, ondanks frustrerende, korte oefensessies en de zware strijd om genoeg betaald te vinden werk om een ​​respectabel leven te leiden.


5. Hoe zou je fluitisten adviseren om te beginnen met oefenen voor een orkestrale auditie en / of competitie? Welk advies kan je geven aan degenen die zich voorbereiden op zenuwen / faalangst?

De eerste stap in mijn eigen voorbereidingsproces is om een ​​plan te maken. Ik zou andere fluitisten adviseren om zoveel mogelijk van het repertoire te spelen als ze kunnen en erachter te komen welke stukken en welke passages in die stukken de meeste aandacht nodig hebben. Breng daarna oefendoelen in kaart die kunnen worden bereikt tussen de tijd dat men de materialen krijgt en de dag van de auditie. 

Net als bij mijn reguliere oefensessies, bestaan ​​mijn auditie / competitie oefensessies uit gerichte oefeningen en veel "eerste keer" juiste herhalingen. Ik luister ook naar mijn favoriete opnames van de stukken, vooral wanneer ik een orkestrale auditie doe, om het stuk dieper "in mijn botten" te krijgen en om mezelf eraan te herinneren dat het muziek is die ik speel en niet alleen uitzonderlijk uitdagende oefeningen die moeten gespeeld worden met perfect ritme, tempo, articulatie, noten, frasering, etc. 
 
Naast het zo goed mogelijk leren van de muziek, is mentaal voorbereid zijn op de auditie een van de beste adviezen die ik kan geven om zenuwen / faalangst te bestrijden. Ik gebruik een aantal technieken uit een boek met de titel "The Performer Prepares" van Robert Caldwell in mijn eigen mentale voorbereiding op een groots optreden. Zo snel mogelijk voor het evenement begin ik met het plannen van oefensessies voor de tijd van mijn auditie / wedstrijd. Als ik me voorbereid op een blinde orkestauditie, oefen ik het spelen voor een muur of gordijn. Ik oefen hoe ik op het podium zal lopen, hoe ik mijn muziek en instrument (en) in de kamer zal krijgen, wat ik als warming-up op de dag zal spelen, enz., Waarbij ik zo min mogelijk aan het toeval overlaat. 

Concurrentie is zo lastig in de muziekbusiness. We huurden onlangs een nieuwe piccolospeler in voor de Topeka-symfonie, en van de kandidaten die auditie deden, waren er minstens vijf personen die het goed zouden hebben gedaan in de sectie (dit was voor een regionaal, per serviceorkest!). Met dit in gedachten, moeten fluitisten audities en wedstrijden behandelen als een kans om muziek te maken en niet het algehele einde van hun loopbaan. Er zijn veel manieren om een ​​succesvolle, succesvolle carrière in muziek te hebben! Als een speler geaard blijft in de mindset dat een bepaalde auditie of competitie gewoon een andere mogelijkheid is om prachtige muziek te delen met een publiek, zal hij of zij een succesvolle uitvoering hebben, ongeacht wie de baan krijgt of de prijs wint. Met elke voorstelling kunnen we wat meer over onszelf leren en we kunnen ernaar streven onze unieke bijdrage aan de muzikale wereld vollediger te maken.


6. Welke muzikant heeft de grootste invloed op je spel gehad?

In mijn leven en muzikale carrière ben ik gezegend met vele prachtige klasleraren, grote ensemble-dirigenten en fluitdocenten. Ik heb ook veel geleerd door te luisteren naar opnames van uitstekende professionele musici (fluitisten en non-fluitisten alike). De muzikant die verreweg de grootste invloed op mijn spel heeft gehad, is echter mijn vader, Tom Porter, die componist en schoolhoofd is.  

Toen ik twee was, bracht mijn vader, die een masterdiploma in hoornperformance volgde van DePaul, mee naar zijn houtblazerskwintetrepetitie. Tijdens die repetitie zag ik de vrouw die mijn eerste fluitleraar werd, Linda Schmidt, spelen en vertelde mijn vader na de repetitie dat ik fluit wilde spelen. Mijn liefde voor het instrument groeide in de jaren die volgden, en op mijn zevende kochten mijn ouders me mijn eerste fluit, zodat ik lessen kon beginnen. Linda leerde me de mechanica van fluitspelen en stelde goede repertoire-doelen voor me terwijl mijn vader me leerde tussen lessen hoe te spelen met expressie en hoe te oefenen. Hij gaf me al vroeg motivatie - een nieuwe fluit-CD voor elke 30-oefendag (iets wat slechts een paar maanden duurde) - om regelmatige oefengewoonten te ontwikkelen, en hij hield toezicht op mijn oefensessies om Linda's suggesties te ondersteunen telkens als ik moest corrigeren mijn techniek of houding.  

Gedurende mijn junior high en high school loopbaan leerde hij me genieten van het proces van competitieve prestaties en behandelde ik elke auditie als een kans om de gave van muziek te geven. Mijn vader was daar om me aan te moedigen en me te helpen bij het verwerken en leren van de ervaring toen ik hem snikte nadat ik tijdens een heraudit in het zomerkamp verschillende stoelen had verloren, en hij werkte me elke avond met me mee terwijl ik leerde hoe ik in het nauw moest lopen. Hij was mijn pianist in talloze recitals, auditie-opnames en live-wedstrijden en ik kijk er nog steeds naar uit om naar huis te gaan en het Mozart D Major-concert met hem te spelen. 

Als bachelor- en masterstudent belde ik mijn vader regelmatig om advies te vragen over muziektheoretische projecten, hield hij hem op de hoogte van wat de ensembles deden en vroeg hij om naar mijn oefen- en uitvoeringopnamen te luisteren terwijl ik me voorbereidde op mijn lessen bij Dr. Mary Posses (Universiteit van Missouri-Kansas City) en Clare Southworth.

Sinds mijn afstuderen heb ik van mijn vader geleerd hoe belangrijk community-outreach en netwerken zijn voor een succesvolle muziekcarrière. Ik heb hem een ​​afdeling voor hogeschoolmuziek laten transformeren, sociale media-vaardigheden leren kennen om zijn koorconcerten van universiteiten en gemeenschappen beter te promoten en om diepe muzikale en emotionele behoeften in onze uitgebreide familie en gemeenschap te identificeren en te vervullen. In mijn eigen werk hoop ik zijn voorbeeld te volgen.

Ik voel een onmetelijke dankbaarheid voor zijn liefde, leiding en ondersteuning gedurende mijn hele leven, en ik kijk er naar uit om verder te leren van zijn wijsheid en ervaring gedurende mijn professionele carrière.


7. We evolueren altijd als mensen en als muzikanten. Met dit in gedachten, wat is uw muzikale visie die vooruitgaat? 

Ik ben een planner en een ideeënpersoon. Ik heb meestal de volgende vier grote projecten waar ik aan ga werken, en ik heb 'plan time' voor mezelf opgezet in mijn werkdag om te zorgen dat ik de juiste stappen neem om die projecten te realiseren. Omdat ik bezig ben met projectplannen, wil ik graag mijn redenen onthouden om het project aan te nemen (waarom ik?) En het geschenk dat ik wil dat mijn publiek ontvangt bij de voltooiing van het project.

Twee projecten waar ik vooral enthousiast over ben, is het volgende Occena-Chen Duo-opnameproject, een album met de titel Reflectie, Herinnering en Veerkracht, Gepland voor de lente / zomer 2017 release, en een all-in opdracht overweging gepland voor begin 2018. Ik ben ook bezig met het schrijven van een Kodaly-geïnspireerd boek met fluitmethodes met een collega van de Koninklijke Academie.

Ik start mijn DMA aan de Stony Brook University met Carol Wincenc in augustus, naast het voortzetten van mijn orkest- en solocarrière, en ik ben verheugd om opnieuw toegang te hebben tot middelen van de universiteit om mijn projecten en carrièredoelen te realiseren, om te leren van een andere meester-leraar wiens werken ik heb bewondering voor de komende jaren, en de referentie moet ik naar de universiteit werkzaamheden voort te zetten als een ander aspect van mijn portefeuille carrière te winnen.

Ik hoop door mijn voortdurende inspanningen op en buiten school om op hoog niveau orkest- en solorepertoire uit te voeren, regelmatig samen te werken met mijn collega's in kamermuziekprojecten, master docent te worden en een pleitbezorger te zijn voor muziek in mijn persoonlijke en professioneel leven.

 
8. Wat zijn je andere passies buiten de muziek?

Ik ben getrouwd met een geweldige vocal music educator en we hebben een mooie, heldere, ondeugende tweejarige, dus tijd doorbrengen met mijn familie is een van mijn favoriete dingen om te doen. Ik vind het heerlijk om een ​​moeder te zijn en mijn dochter te zien ontdekken dat de wereld een van mijn grootste vreugden is.

Een sterk geloof en betrokkenheid bij mijn kerkgemeenschap is ook een belangrijk onderdeel van mijn extra-muzikale leven. Naast de wekelijkse en soms dagelijkse massale aanwezigheid, ben ik betrokken bij een vrouwengroep voor geloofsvorming en houd ik elke vrijdagavond een 11 pm heilig uur in de kerk. Ik maak ook tijd vrij voor lichaamsbeweging; hardlopen op afstand is mijn keuzevrijheid en ik doe ook verschillende kruisoefeningen. Ik merk dat ik beter uithoudingsvermogen heb voor fluitspelen als ik mijn fitnessroutines bijhoud.

Voor pure ontspanning geniet ik van haken. Het heeft een leuke, niet-muzikale creatieve uitlaatklep voor me opgeleverd, vooral wanneer ik me midden in een uitdagende concertcyclus bevind. Een paar van mijn favoriete projecten van de laatste tijd zijn een Winnie de Poeh-pop voor het kerstcadeau van mijn dochter en een heel hongerige rupsdeken voor mijn nichtje.


9. Hoe ben je Miyazawa gaan kiezen als je favoriete fluit?

Toen ik zestien was, kreeg ik de gelegenheid om het Interlochen Kunstkamp te bezoeken voor hun zes weken durende zomersessie. Voor de start van het kamp was ik met mijn ouders en privéleraar gaan praten over het krijgen van een nieuwe fluit en mijn leraar bij Interlochen was het daarmee eens. Mijn cabinecounselor was ook fluitist en wilde haar instapmodel voor professioneel gebruik verkopen om een ​​beter professioneel model te kopen, dus ik verliet het kamp met die fluit "in de rechtszaal". Mijn fluitleraar bestelde een paar andere fluitmodellen voor mij om het ook te proberen, en ik ben erg blij dat ze dat deed!

Zodra ik het kleurenbereik ontdekte dat ik kon produceren op de Miyazawa PA-402 die Linda terecht had gesteld, wist ik dat dit instrument de juiste was voor mij. In het decennium sinds ik mijn Miyazawa heb gekocht, ben ik zo blij geweest met de soepelheid van de toon en de vrijheid die deze fluit me heeft gegeven bij het ontwikkelen en verfijnen van mijn geluid. 

Ik heb onlangs het kopstuk dat standaard was met mijn fluit geüpgraded naar een MX-1-kopstuk met een gouden riser en ik kon niet gelukkiger zijn. De MX-1 heeft het voor mij gemakkelijker gemaakt om te experimenteren met toonkleuren en om mijn dynamische bereik tot het uiterste te duwen, en ik was aangenaam verrast om minder werk te doen om een ​​duidelijke, heldere articulatie te bereiken.


10. Als je een advies hebt voor een opkomende fluitist, wat zou je hen dan vertellen?

Neem regelmatig de tijd om terug te komen waarom je een fluitiste bent geworden. Telkens als ik mezelf introduceer als een professionele fluitist, antwoordt de persoon met wie ik praat: "Oh! I / My [fill-in-the-blank] speelde de fluit op de middelbare school! "We maken deel uit van een grote club, wat betekent dat er veel mensen zijn om ons te steunen, op te vrolijken en met ons over te halen componisten die nog niet hebben ontdekt dat de piccolo geen lage C heeft, maar ook veel concurrentie voor slechts een paar "grote" klussen.

Wanneer je je herinnert waarom je de fluit in de eerste plaats wilde spelen, zet je de eerste stap in het ontdekken van je unieke artistieke stem. Er zijn zoveel prachtige paden om te nemen terwijl het maken van muziek een deel van ons leven en levensonderhoud is, en we hoeven niet bang te zijn om verschillende wegen te verkennen terwijl we onze loopbaan doorlopen. Als je eenmaal je stem hebt gevonden, zul je de grit en de inspiratie ontdekken om je werk in muziek voort te zetten, ongeacht waar je paden je naartoe leiden.